El villancico

Un villancico es, actualmente, una canción cuya letra hace referencia a la Navidad. Se cantan tradicionalmente en diciembre y en Navidad. La tradición de los villancicos se remonta al siglo XV. Los villancicos eran originariamente canciones profanas con estribillo, de origen popular y armonizadas a varias voces. Posteriormente comenzaron a cantarse en las iglesias y a asociarse específicamente con la Navidad.

Las primeras canciones que pueden denominarse así no tenían ninguna referencia religiosa pero, gradualmente y en España se asocian a la iglesia y pasan a formar parte de su repertorio. Muchos han sido traducidos hasta convertirse en himnos muy famosos.

En España la palabra villancico no solo debe relacionarse con la canción popular que festeja la Navidad del Señor sino que también encontramos idéntica denominación para un tipo de composición musical derivada en su origen de una melodía cantada por los villanos y que en el Renacimiento entre el siglo XV y XVI se convierte en canciones a una voz con acompañamiento de vihuela o en canción para tres y cuatro voces con raíces populares. En el siglo XVIII todas las capillas musicales de España y de Latinoamérica tuvieron su repertorio de villancicos (obras religiosas en lengua vernácula) para las fiestas más importantes del año católico. Los del P. Antonio Soler, escritos durante la segunda mitad del siglo, son quizá los más recordados en la actualidad.

Los villancicos están escritos en verso.

Origen

En estas fechas en las que se respira un aire navideño por doquier resurge como cada año un tipo de música que recibe el nombre de “villancico”. Sin embargo, pocas son las personas que conocen el origen de estas melodías que, año tras año, llegan a nuestros oídos en tan entrañables fechas.

El villancico es una de las manifestaciones más antiguas de la lírica popular castellana que en sus orígenes consistía en una breve canción estrófica con estribillo que solía tener el esquema aBccaB. Su melodía principal se hallaba en la voz superior y normalmente estaba destinado a ser ejecutado por un solista al que le acompañaban dos o tres instrumentos.

Esta denominación apareció en el siglo XV refiriéndose a una canción en lengua vulgar que se apoyaba en las formas estróficas responsoriales como el virelai, el zéjel, la ballata o las cantigas paralelísticas. Las primeras fuentes documentales en las que aparece la palabra “villancico” son el Cancionero de Stúñiga (ca. 1458) y el Chanssonier d’Herberay (ca. 1463), más posteriores son el Cancionero de la Colombina y el Cancionero musical de Palacio. Juan del Encina a finales del siglo XV fue el autor más representativo de este género, en sus composiciones utilizaba el tiempo binario y para aquellas obras que tenían una temática popular el ternario. El villancico en esta época ya consistía en una forma musical y poética que alternaba coplas con estribillo.

Hacia el siglo XVI debido a que las autoridades eclesiásticas empiezan a considerar la conveniencia de introducir en la liturgia composiciones en castellano como una forma de acercar al pueblo a los misterios de la Fe católica, el villancico poco a poco va cambiando su temática sobre el amor cortés para ir centrándose en temas de tipo religioso. De esta manera en los albores del siglo XVII se empieza a utilizar en los responsorios de maitines de las principales fiestas litúrgicas como la Navidad, Hábeas Christi, Asunción, santos locales, Epifanía, Trinidad, etc. Así los villancicos se convertirán además de en un obligado ejercicio para acceder al magisterio de capilla, en una de las principales obligaciones compositivas del maestro de capilla para las principales fiestas del calendario litúrgico.

Durante el siglo XVII la interpretación de villancicos se hace cada vez más frecuente a pesar de las prohibiciones por parte de las instituciones conservadoras. Prohibiciones que se basaban en que el uso de los villancicos se había convertido en una práctica cada vez más usual de cancioncitas con forma de diálogo que recreaban la sorpresa de los pastores ante el misterio del nacimiento de Jesús. Temas como este se convertían en un excelente pretexto para realizar divertidas parodias en las que se hacía la burla correspondiente de personajes arquetípicos de diversas nacionalidades. El villancico del siglo XVII tiene una gran complejidad técnica y formal aumentándose el número de voces incluso hasta ocho distribuidas en dos coros dispuestos en diferentes lugares de la catedral y acompañados con instrumentos como el arpa, el violón y el órgano. Los villancicos de este siglo nos han llegado en manuscritos de borrador y en hojas sueltas para cada voz dejando de lado la escritura de facistol para este tipo de género.

El siglo XVIII está marcado por la gran influencia que ejerció Italia en cuanto a música se refiere y no sólo nos estamos refiriendo a la ópera o a la zarzuela sino también al villancico. Influencias italianizantes en el villancico fueron el estilo recitativo, las arias da capo y el estilo compositivo de la ópera seria italiana que provocaron un aumento en la plantilla de las orquestas de las capillas de música catedralicias, una mayor exigencia a la hora de interpretar dichas composiciones junto con una desmedida inversión musical de los centros catedralicios que no rentabilizaban sus resultados prácticos. Los villancicos seguirán teniendo las características populares del siglo anterior que se irán fundiendo con las características musicales de este siglo, situación que provocó que los villancicos se utilizasen en contextos litúrgicos pero esta vez con fines didácticos. Poco a poco se van introduciendo elementos teatrales en las iglesias buscando provocar en el pueblo afectos muy diferentes a la contemplación divina que se conseguía con el viejo estilo polifónico. Compositores importantes de este periodo han sido el padre Antonio Soler, Antonio de Literes y José de Torres. Estas influencias italianizantes provocaron que el villancico fuera definitivamente proscrito de la liturgia a finales de este siglo XVIII, de tal manera que en el siglo XIX los villancicos habían desaparecido de la liturgia siendo sustituidos por los tradicionales responsorios gregorianos. Así todo el patrimonio de villancicos quedó en el mejor de los casos almacenado en los archivos catedralicios, gran parte del cual aún está por publicar.

Hoy en día al referirnos a la palabra “villancico” hacemos referencia a la canción de navidad que tiene sus orígenes en distintas culturas populares de cualquier nacionalidad. El villancico que estamos acostumbrados a oír en estas fechas tiene una estructura melódica y armónica sencilla y normalmente suele estar interpretado en las voces por coros de niños / as, suelen tener melodías facilonas y poco elaboradas armónicamente. Actualmente el uso del villancico está ligado al fomento del consumismo típico de estas fechas, prueba de ello es que la publicidad utiliza la música de los villancicos a finales del mes de noviembre, con lo cual se amplía el periodo navideño de forma considerable con el objeto de fomentar aún más el consumo en estas fechas.

BIBLIOGRAFÍA

q Stanley Sadie y John Tyrell (ed.s): The New Grove Dictionary of Music and Musicians, segunda ed., 29 vols. (Londres: Macmillan, 2001).

q Diccionario de la Música Española e Hispanoamericana: 10 vols., dirigido por Emilio Casares Rodicio (Madrid: SGAE, Madrid)

El villancico en Canarias

VILLANCICO: Este término viene derivado de la palabra villano -hombre de pueblo o villa-. Durante la Edad Media se llamaban así todas las canciones cantadas durante la época de Navidad. Se cantan en la iglesia delante del portal de Belén, por las calles y plazas en la Nochebuena, acompañándose por panderetas, zambomba y almirez, castañuelas guitarras y panderos.

El villancico Canario más popular es el llamado "LO DIVINO". Se canta durante la época de Navidad en las Islas Canarias, sobre todo en la Isla de Tenerife.

Durante los días que preceden a la navidad, grupos de “cantadores y tocadores”, recorren las calles de los pueblos y los barrios de la ciudad, cantando villancicos, sobre todo “Lo Divino”.

Lo Divino:

Letra: Popular - Música: Popular

Anuncia nuestro cantar

que ha nacido el Redentor.

ANUNCIA NUESTRO CANTAR

QUE HA NACIDO EL REDENTOR.

La tierra, el cielo y el mar

palpitan llenos de amor.

LA TIERRA, EL CIELO Y EL MAR

PALPITAN LLENOS DE AMOR.

Madre del alma

cesen tus penas,

cálma tu angustia,

por Dios no llores

QUE YA BENDICEN

LA NOCHEBUENA,

LOS REYES MAGOS

Y LOS PASTORES.

Bordan los valles

blancos corderos,

hay regocijo

en las cabañas.

Y LOS TOMILLOS

Y LOS ROMEROS,

LLENAN DE AROMA

NUESTRAS MONTAÑAS.

El jazz

Nina Simone

(Nombre artístico de Eunice Kathleen Waymon; Tryon, Carolina del Norte, 1933 - Carry-le-Rouet, Francia, 2003) Cantante y pianista estadounidense, considerada una de las grandes voces del siglo XX. Nina era la sexta de una familia de ocho hermanos, descendiente principalmente de esclavos africanos, aunque entre sus ancestros también hubo sangre irlandesa e india.

Su padre, John Divine Waymon, se dedicó durante un tiempo al mundo del espectáculo: cantaba, bailaba y tocaba la harmónica, aunque cuando su familia empezó a ser numerosa, trabajó en una tintorería y como barbero para salir adelante. La madre, Mary Kate, tocó el piano para él en alguna ocasión, aunque luego se hizo ministra de la Iglesia metodista y rechazó todo lo que no fueran espirituales religiosos.

Nina Simone

Simone creció, pues, rodeada de música. En su hogar, todos los hermanos cantaban y tocaban algún instrumento, sin tomar clases ni tener siquiera conciencia de haber aprendido. Cuenta en su autobiografía que su primer recuerdo de la infancia es su madre cantando gospel, y que empezó a tocar el órgano que había en la casa tan pronto como creció lo suficiente como para sentarse en el banco y llegar al teclado. Nadie se dio cuenta hasta que un día su madre la vio tocando una de sus canciones favoritas: aún no había cumplido tres años.

En 1939 tomó sus primeras clases formales de piano, y a los diez años dio su primer recital, en la librería local. Fue también su primera toma de contacto con el racismo: durante el mismo, sus padres fueron desalojados de la primera fila para acomodar a blancos. Esa experiencia del Sur segregado fue traumática para la pequeña Eunice. Más tarde declaró que fue el punto de partida de su compromiso en la lucha por los derechos civiles.

Con ayuda financiera de aficionados locales, en 1950 continuó sus estudios de piano clásico en Nueva York. Posteriormente, su familia se mudó a Filadelfia, donde fue rechazada en una escuela de música. En 1954 apareció una oportunidad de trabajo en un bar de Atlantic City (localidad de Nueva Jersey que es algo así como el Las Vegas de la costa Este). El problema era que el dueño quería que cantara, mientras que Eunice tan sólo se presentaba como pianista. Ella improvisó una versión de I loves you Porgy, de George Gershwin, con su característico timbre grave, y obtuvo el puesto.

Primeros contratos discográficos

Fue en Atlantic City donde adoptó el nombre artístico que la daría a conocer mundialmente, tomado de la actriz francesa Simone Signoret. Empezó a darse a conocer y, tras actuar en varios clubes de Filadelfia, logró un contrato discográfico con Bethlehem Records, en 1957.

Al año siguiente publicó su primer disco, Jazz as played in an exclusive side street club (también conocido como Little girl blue). Fue un éxito inmediato, y el sencillo escogido, I loves you Porgy, vendió un millón de ejemplares en Estados Unidos en el verano de 1959. Curiosamente, jamás volvería a colocar otra canción en el Top-40 de Estados Unidos, lo cual no le impidió forjarse una audiencia fiel.

A continuación, Simone firmó un contrato con la poderosa Colpix (Columbia Pictures Records), con la que publicó diez discos en cinco años (seis en estudio y cuatro en directo), y varias canciones para bandas sonoras de películas de Columbia; entre ellas: Wild is the wind, Sayonara y Samson and Delilah. En 1961 contrajo matrimonio con Andy Stroud, detective de Nueva York que se convertiría en su mánager, y que aparecería como compositor en los créditos de varias canciones. Ambos tuvieron una hija, Lisa Celeste, en 1962.

Fue llamada la Suma Sacerdotisa del Soul

En 1964 firmó otro contrato, esta vez con Philips, discográfica con la que publicó siete discos en tres años. De ese período destaca su clásico Don’t let be me, su versión de I put a spell on you, de Screaming Jay Hawkins, y su primera canción de protesta: Mississippi goddam! (‘¡Mississippi, maldita sea!’), furioso alegato contra varios estados del sur de Estados Unidos, inscrito en la lucha por los derechos civiles de los negros. Por entonces se la empezó a conocer como la Suma Sacerdotisa del Soul.

Entre 1966 y 1974 produjo, para la compañía RCA, algunos de sus mayores éxitos, como las versiones de To love somebody (Bee Gees) y Ain’t got no/I got life, del musical Hair. Otro de sus clásicos, To be young, gifted and black, estaba inspirado por una pieza de teatro de su amiga Lorraine Hansberry, y fue grabado por Aretha Franklin en 1972.

En 1969 decidió dejar de vivir en Estados Unidos, asqueada por el racismo de la sociedad estadounidense. Por esa época se separó de Stroud. Nina pasó a convertirse en su propia mánager, y a trabajar con su hermano Sam Waymon. Residió en Liberia cuatro años, y también en Barbados, Suiza, los Países Bajos, Trinidad y Gran Bretaña. Declaró en alguna ocasión que le gustaría morir en África, aunque finalmente eligió establecerse en Francia, con cuya cultura siempre se sintió ligada sentimentalmente: entre sus clásicos se encuentra una versión de Ne me quitte pas, de Jacques Brel.

Una canción: My baby just cares for me

En 1978 fue brevemente arrestada por no declarar impuestos entre 1971 y 1973, en protesta por la guerra de Vietnam. Ese año publicó Baltimore y en 1982 Fodder on my wings, disco basado en su autoimpuesto «exilio», para un sello discográfico suizo. Cuando parecía destinada a convertirse en una vieja gloria sólo recordada por nostálgicos, un espectacular rebrote de fama le llegó de forma inesperada en 1987. My baby just cares for me, una vieja canción que aparecía en su primer disco, publicado hacía ya treinta años, se convirtió en el tema escogido para una campaña de publicidad del perfume Chanel Nº 5 para la televisión británica. Alcanzó el quinto puesto en las listas de ventas de Gran Bretaña.

El éxito en toda Europa la devolvió a la luz pública, y se prodigó en colaboraciones con artistas como Pete Townsend, Maria Bethânia o Miriam Makeba. En 1992 apareció su música en la película Point of no return, inspirada en su propia vida. Ese año publicó su autobiografía, titulada I put a spell on you, que fue inmediatamente traducida al francés, el alemán y el holandés. En 1993, año en que se instaló definitivamente en el sur de Francia, publicó su último álbum en estudio, A single woman, que contenía otro clásico de la canción francesa, Il n’y pas d’amour heureux.

Su actitud rebelde la acompañó siempre: incluso durante sus últimos años, su nombre apareció en varias ocasiones mezclado en reyertas de vecindario. Nunca se retiró del todo: en 1998 fue una de las invitadas de honor en la fiesta del 80° aniversario de Nelson Mandela. En 1999, tras recibir un premio por toda su carrera, cantó unos duetos con su hija Lisa Celeste en el Guinness Blues Festival de Dublín.

Su última gira internacional data de 2000, año en que recibió numerosos reconocimientos a su carrera. Nina Simone falleció el 21 de abril del 2003 en su casa de Carry-le-Rouet, en el sur de Francia. Se anunció que su muerte fue por causas naturales y que llevaba tiempo sufriendo achaques, aunque no trascendieron más detalles.

Caracterizada por su compromiso contra el racismo, bajo el lema de Black is the colour (Negro es el color), su temática está totalmente enraizada en las tradiciones afroamericanas. Un repertorio tan amplio como el suyo, que comprende desde canciones melódicas, blues, cantos espirituales y gospel hasta temas tomados del folclore africano, hizo de ella una artista difícil de clasificar, y de hecho su biografía aparece en compilaciones de literatura sobre jazz, rock, pop y soul. Como ha dicho algún crítico, ella fue todo eso y nada: un espíritu independiente y temperamental, único e inigualable.

50Cent
Curtis James Jackson III,(nacido el 6 de julio de 1975 en Queens, New York), conocido profesionalmente como 50 Cent, es un cantante de Hip-Hop y Rap estadounidense. Alcanzó el exito con los masivos éxitos comerciales de sus álbumes Get Rich or Die Tryin' ,The Massacre y Curtis, todos estos multi-platinos . .
La popularidad de G-Unit
La primera semana de lanzamiento, su álbum debut Get Rich Or Die Trying vendió 873.000 copias. El álbum recibió el certificado de oro en su primera semana y platino en la siguiente.Gano el premio PEPSI humana. El 12 de abril de 2004, Get Rich Or Die Tryin fue seis veces platino según la Lloyd Banks, Tony Yayo y Young Buck como miembros establecidos de G-Unit. Más adelante, Dr. Dre y 50 Cent firmaron a The Game. Tras la salida de éste, Olivia y Mobb Deep se incorporaron a G-Unit Records. Tras el fichaje de Mobb Deep, los artistas Spider Loc, M.O.P. y Hot Rod firmaron por G-Unit también. 50 Cent ha expresado su deseo de trabajar con otros artistas no relacionados con G-Unit como LL Cool J, Mase de Bad Boy Records, o Freeway de Roc-A-Fella Records.
G-Unit es uno de los principales grupos mundiales de Gangsta rap, y lanzó su álbum "Beg for mercy", con canciones de 50 cent, Lloyd Banks (braulio), Young Buck y colaboraciones de Tony Yayo. Hoy en día, Young Buck no pertenece a G-Unit, y ha tenido controversias con la misma banda. La reputación de Young Buck bajó, mientras la de G-Unit subía. Además del completo éxito de su música como grupo y sello discográfico, G unit, cuenta con una marca de ropa propia y una línea de zapatillas deportivas.
Promociones
Tras el lanzamiento de Beg For Mercy de su grupo G-Unit, se unió a Reebok para el lanzamiento de sus propias zapatillas llamadas G-Unit Sneakers. También ha invertido en VitaminWater, una marca de agua embotellada, y en su propia línea de ropa. 50 Cent, además, apareció en el capítulo de Los Simpson titulado "Pranksta rap" ("Broma-Rap" en español).
En una ocasión, Rockstar Games le ofreció a 50 un empleo. Debía hacer la voz para el personaje principal de su nuevo juego: GTA: San Andreas, como CJ. 50 se negó y dijo que él sólo haría su propia voz. Así, sacó un videojuego conocido como "50 Cent: Bulletproof", disponible en PlayStation 2, Xbox y PSP. En febrero de 2009 a lanzado otro videojuego para PS3 y Xbox 360 titulado Blood on the Sand.
También 50 Cent ha grabado su propia película autobiográfica, donde el se describe asi mismo y relata su vida. El titulo de la pelicula es ``Get Rich or Die Tryin´´ ( Hazte Rico o Muere Intentandolo ), dirigida por Jim Sheridan, y en la que aparecen los actores Joy Bryant y Terrence Howard. También actúa en la película, Home of the Brave, con Samuel L. Jackson. Aquí es donde hace el papel de un soldado, después de su regreso de una misión en Bagdad. En el año 2008, trabajó con Robert de Niro y Al Pacino, en un film titulado Righteous Kill (Asesinato Justo). Aquí le dan un papél protagónico junto a las estrellas de cine mencionadas. También tiene un papel junto con Nicolas Cage en la película The Dance, aún por estrenar.
50 Cent ha lanzado una memoria sobre su vida titulada From Pieces to Weight: Once Upon a Time in Southside Queens. En 2007, ha lanzado un libro autobiografico escrito por él, llamado "50x50".
En 2008, crea un Reality Show en MTV titulado "50 Cent: The Money and The Power", donde buscaba a alguien que se hiciera cargo de su dinero
Filmografía
Get Rich or Die Tryin (película) (Hazte rico o muere intentándolo) (2005) (Como Marcus)
Home of the Brave (Regreso al infierno) (2006) (Como Jamal)
Righteous Kill (Asesinato justo) (2008) (Como Spider)
Before I Self Destruct (Antes de que me destruya) (2009)(Como Clarence)
Street of Blood (Calle de Sangre) (2009) (Como Stan)
Dead Man Running (Muerto En Pie) (2009) (Como Thigo)
Everything's Alright (Todo Está Bien) (2009) (Como Amos)
Caught in the Crossfire (2009) (Como Tino)
13 (2010) (Como Jimmy)
The Dance (El Baile) (2010)
The Ski Mask Way (2010) (Como Seven)
Twelve (Doce) (2010) (Como Lionel)
Jekyll and Hyde (2010)
Morning Glory (Mañana de Gloria) (2010) (Como Él Mismo)